Foto: Courtesy Naturhistorisches Museum

Din konsthistoriska skulptur, denna lilla statyett som mäter drygt fyra tum på höjden upptäcktes i Österrike 1908. Ingen vet vilken funktion den fyllde, men gissningar har sträckt sig från fertilitetsgudinna till onanihjälp. Vissa forskare menar att det kan ha varit ett självporträtt gjort av en kvinna. Det är det mest kända av många sådana föremål från äldre stenåldern.

Foto: Courtesy CC/Wiki Media/Philip Pikart

Detta porträtt har varit en symbol för feminin skönhet sedan det först grävdes fram 1912 i ruinerna av Amarna, huvudstaden byggd av den mest kontroversiella farao i antikens egyptiska historia: Akhenaton. Livet för hans drottning, Nefertiti, är något mysterium: Man tror att hon regerade som farao en tid efter Akhenatens död – eller mer troligt, som medregent till pojkkungen Tutankhamon. En egyptolog tror att hon faktiskt var Tuts mamma. Denna stuckaturbelagda byst i kalksten tros vara ett hantverk av Thutmose, Akhenatens hovskulptör.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Terrakottaarmén upptäcktes 1974 och är en enorm källa av lerstatyer begravda i tre massiva gropar nära Shi Huangs grav, den första kejsaren av Kina, som dog 210 f.Kr. Avsikten att skydda honom i livet efter detta, tros armén enligt vissa uppskattningar ha mer än 8 000 soldater tillsammans med 670 hästar och 130 vagnar. Var och en är i naturlig storlek, även om den faktiska höjden varierar beroende på militär rang.

Foto: Courtesy CC/Wiki Media/LivioAndronico

Den kanske mest kända skulpturen från den romerska antiken,Laocoön och hans sönergrävdes ursprungligen fram i Rom 1506 och flyttade till Vatikanen, där den är bosatt än i dag. Den är baserad på myten om en trojansk präst som dödades tillsammans med sina söner av sjöormar skickade av havsguden Poseidon som vedergällning för Laocoöns försök att avslöja den trojanska hästens list. Ursprungligen installerad i kejsar Titus palats, är denna figurativa grupp i naturlig storlek, tillskriven en trio grekiska skulptörer från ön Rhodos, oöverträffad som en studie av mänskligt lidande.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Ett av de mest ikoniska verken i hela konsthistorien, Michelangelos David hade sitt ursprung i ett större projekt för att dekorera fästpunkterna i Florens stora katedral, Duomo, med en grupp figurer hämtade från Gamla testamentet. DeDavidvar en, och började faktiskt 1464 av Agostino di Duccio. Under de kommande två åren lyckades Agostino grovbearbeta en del av det enorma marmorblocket som huggetts från det berömda stenbrottet i Carrara innan han stannade 1466. (Ingen vet varför.) En annan konstnär tog tag i spelet, men han också bara jobbade på det kort. Marmorn förblev orörd under de följande 25 åren, tills Michelangelo återupptog snida den 1501. Han var 26 år då. När David var klar vägde den sex ton, vilket innebar att den inte kunde hissas upp på katedralens tak. Istället ställdes den ut precis utanför ingången till Palazzo Vecchio, Florens rådhus. Figuren, en av de renaste destillationerna av högrenässansstilen, omfamnades omedelbart av den florentinska allmänheten som en symbol för stadsstatens eget motstånd mot de makter som stod uppställda mot den. År 1873, denDavidflyttades till Accademia Gallery, och en replik installerades på sin ursprungliga plats.

Foto: Courtesy CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Gian Lorenzo Bernini, erkänd som upphovsmannen till den högromerska barockstilen, skapade detta mästerverk för ett kapell i kyrkan Santa Maria della Vittoria. Barocken var oupplösligt kopplad till motreformationen genom vilken den katolska kyrkan försökte hejda den våg av protestantism som växte fram över 1600-talets Europa. Konstverk som Berninis var en del av programmet för att bekräfta påvens dogm, väl betjänt här av Berninis geni för att genomsyra religiösa scener med dramatiska berättelser.Extasär ett exempel: Dess ämne – Sankta Teresa av Ávila, en spansk karmelitisk nunna och mystiker som skrev om sitt möte med en ängel – avbildas precis när ängeln är på väg att kasta en pil in i hennes hjärta.Extass erotiska övertoner är omisskännliga, tydligast i nunnans orgasmiska uttryck och det slingrande tyget som omsluter båda figurerna. En arkitekt som en konstnär, Bernini ritade också inramningen av kapellet i marmor, stuckatur och färg.

Foto: Courtesy The Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

Den italienske konstnären Antonio Canova (1757–1822) anses vara den största skulptören på 1700-talet. Hans verk representerade den nyklassiska stilen, som du kan se i hans återgivning i marmor av den grekiska mytiska hjälten Perseus. Canova gjorde faktiskt två versioner av verket: Den ena är bosatt i Vatikanen i Rom, medan den andra står i Metropolitan Museum of Arts europeiska skulpturdomstol.

Foto: Metropolitan Museum of Art

Medan impressionistmästaren Edgar Degas är mest känd som målare, arbetade han också med skulptur, och producerade det som utan tvekan var den mest radikala insatsen i hans oeuvre. Degas fashionedDen lilla fjortonåriga dansarenav vax (från vilket efterföljande bronskopior gjuts efter hans död 1917), men det faktum att Degas klädde sitt självbenämnda subjekt i en verklig balettdräkt (komplett med livstycke, tutu och tofflor) och peruk av riktigt hår väckte en sensation närDansaredebuterade på den sjätte impressionistiska utställningen 1881 i Paris. Degas valde att täcka de flesta av sina utsmyckningar i vax för att matcha resten av flickans drag, men han behöll tutu, liksom ett band som knöt hennes hår, som de var, vilket gjorde figuren till ett av de första exemplen på hittade föremål. konst.Dansarevar den enda skulptur som Degas ställde ut under sin livstid; efter hans död hittades ytterligare 156 exempel tynade i hans ateljé.

Foto: Courtesy Philadelphia Museum of Art

Medan de flesta förknippar den store franske skulptören Auguste Rodin medTänkaren, denna ensemble som firar en incident under hundraåriga kriget (1337–1453) mellan Storbritannien och Frankrike är viktigare för skulpturens historia. Beställd för en park i staden Calais (där en årslång belägring av engelsmännen 1346 upphävdes när sex stadsäldste erbjöd sig själva för avrättning i utbyte mot att skona befolkningen),Burgarnaundvek det format som var typiskt för monument på den tiden: Istället för figurer isolerade eller staplade i en pyramid ovanpå en hög piedestal, satte Rodin ihop sina motiv i naturlig storlek direkt på marken, i nivå med betraktaren. Detta radikala steg mot realism bröt med den heroiska behandling som vanligtvis ges till sådana utomhusverk. MedBurgarna, tog Rodin ett av de första stegen mot modern skulptur.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Wally Gobetz

1912 skapade Picasso en kartongmakett av ett föremål som skulle ha en stor inverkan på 1900-talets konst. Också i MoMAs samling föreställde den en gitarr, ett ämne som Picasso ofta utforskade i målning och collage, och i många avseenden,Gitarröverförde collages klipp- och klistratekniker från två dimensioner till tre. Det gjorde samma sak för kubismen, genom att sätta ihop platta former för att skapa en mångfacetterad form med både djup och volym. Picassos innovation var att undvika den konventionella snidningen och modelleringen av en skulptur ur en solid massa. I stället,Gitarrfästes ihop som en struktur. Denna idé skulle återklang från rysk konstruktivism ner till minimalism och vidare. Två år efter att ha gjortGitarri kartong skapade Picasso denna version i skuren plåt

Foto: Metropolitan Museum of Art

Från dess radikala början till dess sista fascistiska inkarnation chockade den italienska futurismen världen, men inget enskilt verk exemplifierade rörelsens rena delirium än denna skulptur med ett av dess främsta ljus: Umberto Boccioni. Boccioni började som målare och övergick till att arbeta i tre dimensioner efter en resa till Paris 1913 där han turnerade i ateljéerna för flera avantgardistiska skulptörer från perioden, såsom Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon och Alexander Archipenko. Boccioni syntetiserade sina idéer till detta dynamiska mästerverk, som skildrar en stegrande figur i en "syntetisk kontinuitet" av rörelse som Boccioni beskrev det. Verket skapades ursprungligen i gips och gjuts inte i sin välbekanta bronsversion förrän 1931, långt efter konstnärens död 1916 som medlem av ett italienskt artilleriregemente under första världskriget.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Född i Rumänien, Brancusi var en av de viktigaste skulptörerna av modernismen i början av 1900-talet - och faktiskt en av de viktigaste gestalterna i hela skulpturens historia. En sorts proto-minimalistisk, Brancusi tog former från naturen och strömlinjeformade dem till abstrakta representationer. Hans stil var influerad av hemlandets folkkonst, som ofta innehöll levande geometriska mönster och stiliserade motiv. Han gjorde heller ingen skillnad mellan objekt och bas, och behandlade dem, i vissa fall, som utbytbara komponenter – ett tillvägagångssätt som representerade ett avgörande brott med skulpturala traditioner. Detta ikoniska föremål är ett porträtt av hans modell och älskare, Margit Pogány, en ungersk konststudent som han träffade i Paris 1910. Den första upprepningen ristades i marmor, följt av en gipskopia som denna brons gjordes av. Själva gipset ställdes ut i New York på den legendariska Armory Show 1913, där kritiker hånade och slängde den. Men det var också det mest reproducerade stycket i showen. Brancusi arbetade på olika versioner avMlle Poganyi cirka 20 år.

Foto: Courtesy The Museum of Modern Art

Cykelhjulanses vara den första av Duchamps revolutionerande readymades. Men när han färdigställde verket i sin studio i Paris hade han verkligen ingen aning om vad han skulle kalla det. "Jag fick den glada idén att fästa ett cykelhjul på en kökspall och se den svänga", skulle Duchamp senare säga. Det tog en resa till New York 1915 och exponering för stadens enorma produktion av fabriksbyggda varor för Duchamp att komma på den färdiga termen. Ännu viktigare, han började inse att att göra konst på det traditionella, handgjorda sättet verkade meningslöst under den industriella tidsåldern. Varför bry sig, menade han, när allmänt tillgängliga tillverkade föremål kunde göra jobbet. För Duchamp var idén bakom konstverket viktigare än hur det gjordes. Denna föreställning – kanske det första verkliga exemplet på konceptuell konst – skulle totalt förändra konsthistorien framöver. Ungefär som ett vanligt hushållsföremål, dock originaletCykelhjulöverlevde inte: Den här versionen är faktiskt en replik från 1951.

Foto: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

En älskad inventering av Whitney Museums permanenta samling,Calders cirkusdestillerar den lekfulla essens som Alexander Calder (1898–1976) förde fram som en konstnär som hjälpte till att forma 20:e skulpturen.Cirkus, som skapades under konstnärens tid i Paris, var mindre abstrakt än hans hängande "mobiler", men på sitt eget sätt var den lika kinetisk: Tillverkad främst av tråd och trä,Cirkusfungerade som mittpunkten för improvisationsföreställningar, där Calder rörde sig runt olika figurer som skildrade contortionists, svärdsvalare, lejontämjare, etc., som gudliknande ringmästare.

Foto: Courtesy The J. Paul Getty Museum

Som målare och gobelängdesigner såväl som skulptör kunde den franska konstnären Aristide Maillol (1861–1944) bäst beskrivas som en modern nyklassicist som satte en strömlinjeformad 1900-talsspindel på traditionella grekisk-romerska statyer. Han kan också beskrivas som en radikal konservativ, även om man bör komma ihåg att även avantgardistiska samtida som Picasso producerade verk i en anpassning av nyklassisk stil efter första världskriget. Maillols ämne var den kvinnliga naken, och iLya, han har skapat en kontrast mellan den materiella massan av hans motiv, och hur hon ser ut att sväva i rymden – balanserar så att säga obdura kroppslighet med försvinnande närvaro.

Foto: Courtesy CC/Flickr/C-Monster

Kusama, en japansk konstnär som arbetar i flera olika medier, kom till New York 1957 och återvände till Japan 1972. Under tiden etablerade hon sig som en huvudfigur i centrumscenen, en vars konst berörde många baser, inklusive popkonst, minimalism och Performance Art. Som en kvinnlig konstnär som ofta hänvisade till kvinnlig sexualitet var hon också en föregångare till feministisk konst. Kusamas arbete kännetecknas ofta av hallucinogena mönster och upprepningar av former, en benägenhet som bottnar i vissa psykologiska tillstånd – hallucinationer, OCD – hon har lidit sedan barndomen. Alla dessa aspekter av Kusumas konst och liv återspeglas i detta verk, där en vanlig, stoppad fåtölj på ett nervöst sätt inryms av ett pestliknande utbrott av falliska utsprång gjorda av sytt stoppat tyg.

Foto: Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), New York

Marisol Escobar (1930–2016), känd under sitt förnamn, föddes i Paris av venezuelanska föräldrar. Som konstnär blev hon förknippad med Pop Art och senare Op Art, även om hon stilmässigt tillhörde ingendera gruppen. Istället skapade hon figurativa tablåer som var menade som feministiska satirer över könsroller, kändisskap och rikedom. IKvinnor och hundhon tar på sig objektifieringen av kvinnor och det sätt som manligt påtvingade normer för kvinnlighet används för att tvinga dem att anpassa sig.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Rocor

Brilloboxen är kanske den mest kända av en serie skulpturala verk som Warhol skapade i mitten av 60-talet, som effektivt tog hans undersökning av popkulturen in i tre dimensioner. Trogen namnet Warhol hade gett sin ateljé – Fabriken – anlitade konstnären snickare för att arbeta med ett slags löpande band och spikade ihop trälådor i form av kartonger för olika produkter, inklusive Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes och Campbell's Soup, som väl Brillo tvålpads. Han målade sedan varje låda i en färg som matchade originalet (vit i Brillos fall) innan han lade till produktnamnet och logotypen i silkscreen. Lådorna skapades i multiplar och visades ofta upp i stora högar, vilket effektivt förvandlade vilket galleri de än befann sig i till en högkulturell faksimil av ett lager. Deras form och serieproduktion var kanske en nick till – eller parodi på – den då begynnande minimalistiska stilen. Men den verkliga poängen medBrillo Boxär hur dess nära tillnärmning till det verkliga undergräver konstnärliga konventioner, genom att antyda att det inte finns någon verklig skillnad mellan tillverkade varor och arbete från en konstnärs ateljé.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Esther Westerveld

Donald Judds namn är synonymt med Minimal Art, mitten av 60-talets rörelse som destillerade modernismens rationalistiska ansträngning till det absolut nödvändigaste. För Judd innebar skulptur att artikulera verkets konkreta närvaro i rymden. Denna idé beskrevs av termen "specifikt objekt", och medan andra minimalister omfamnade den, gav Judd utan tvekan idén dess renaste uttryck genom att anta rutan som sin signaturform. Liksom Warhol producerade han dem som återkommande enheter, med material och metoder lånade från industriell tillverkning. Till skillnad från Warhols soppburkar och Marilyns, hänvisade Judds konst till ingenting utanför sig själv. Hans "stackar" är bland hans mest kända verk. Var och en består av en grupp identiskt grunda lådor gjorda av galvaniserad plåt, som sticker ut från väggen för att skapa en pelare av jämnt fördelade element. Men Judd, som började som målare, var lika intresserad av färg och konsistens som han var i form, vilket framgår här av gröntonad auto-body lack applicerad på framsidan av varje låda. Judds samspel av färg och material gerNamnlös (Stack)en kräsen elegans som mjukar upp dess abstrakta absolutism.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Rocor

Liksom Benglis var Hesse en kvinnlig konstnär som filtrerade postminimalismen genom ett kanske feministiskt prisma. En jude som flydde från Nazityskland som barn, hon utforskade organiska former, skapade bitar i industriellt glasfiber, latex och rep som framkallade hud eller kött, könsorgan och andra delar av kroppen. Med tanke på hennes bakgrund är det frestande att hitta en underström av trauma eller ångest i verk som detta.

Foto: Courtesy The Museum of Modern Art

Efter Judd och Flavin avvek en grupp artister från minimalismens estetik med rena linjer. Som en del av denna postminimalistiska generation, satte Richard Serra konceptet med det specifika objektet på steroider, vilket avsevärt förstorade dess skala och vikt och gjorde tyngdlagarna till en integrerad del av idén. Han skapade otrygga balanseringshandlingar av stål- eller blyplåtar och rör som vägde i ton, vilket hade effekten av att ge verket en känsla av hot. (Vid två tillfällen dödades eller lemlästades riggare som installerade Serra-bitar när verket av misstag kollapsade.) Under de senaste decennierna har Serras arbete antagit en krökt förfining som har gjort det enormt populärt, men i början fungerar det som One Ton Prop (House) of Cards), som har fyra blyplattor lutade ihop, kommunicerade hans bekymmer med brutal direkthet.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Efter den allmänna motkulturella trenden under 1960- och 1970-talen började konstnärer göra uppror mot gallerivärldens kommersialism och utvecklade radikalt nya konstformer som jordarbeten. Även känd som land art, var genrens ledande figur Robert Smithson (1938–1973), som tillsammans med konstnärer som Michael Heizer, Walter De Maria och James Turrel begav sig ut i västra USAs öknar för att skapa monumentala verk som agerat i samförstånd med sin omgivning. Detta platsspecifika tillvägagångssätt, som det kom att kallas, använde ofta material som togs direkt från landskapet. Så är fallet med SmithsonsSpiralbrygga, som skjuter ut i Utahs Great Salt Lake från Rozel Point på sjöns nordöstra strand. Tillverkad av lera, saltkristaller och basalt extraherad på plats,Spiral Jetty mäter1 500 gånger 15 fot. Den var nedsänkt under sjön i årtionden tills en torka i början av 2000-talet förde upp den till ytan igen. Under 2017,Spiralbryggautsågs till det officiella konstverket i Utah.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Den franskfödde konstnärens signaturverk,Spindelskapades i mitten av 1990-talet när Bourgeois (1911-2010) redan var i åttioårsåldern. Det finns i många versioner av varierande skala, inklusive några som är monumentala.Spindelär menad som en hyllning till konstnärens mor, en gobelängrestauratör (därav anspelningen på spindeldjurens benägenhet att spinna nät).

Shutterstock

Vinnare av det prestigefyllda Turner-priset 1994, Antony Gormley är en av de mest hyllade samtida skulptörerna i Storbritannien, men han är också känd över hela världen för sin unika syn på figurativ konst, en där breda variationer i skala och stil är baserade, för det mesta på samma mall: En avgjutning av konstnärens egen kropp. Det är sant för detta enorma bevingade monument som ligger nära staden Gateshead i nordöstra England. Ligger längs en stor motorväg,Ängelsvävar till 66 fot i höjd och spänner över 177 fot i bredd från vingspets till vingspets. Enligt Gormley är verket menat som en sorts symbolisk markör mellan Storbritanniens industriella förflutna (skulpturen är belägen i Englands kolland, hjärtat av den industriella revolutionen) och dess postindustriella framtid.

Med tillstånd CC/Flickr/Richard Howe

Tillgiven kallad "The Bean" av Chicagoans för sin böjda ellipsoida form,Molnport, Anish Kapoors offentliga konstverk för den andra stadens Millennium Park, är både konstverk och arkitektur, vilket ger en Instagram-klar valv för söndagsvagnar och andra besökare till parken. Tillverkad av spegelstål,Molnports fun-house reflektion och storskalighet gör det till Kapoors mest kända verk.

Med tillstånd från konstnären och Greene Naftali, New York

Rachel Harrisons verk kombinerar en fulländad formalism med en förmåga att genomsyra till synes abstrakta element med flera betydelser, inklusive politiska. Hon ifrågasätter häftigt monumentalitet och det maskulina privilegium som följer med det. Harrison skapar huvuddelen av sina skulpturer genom att stapla och arrangera block eller skivor av frigolit, innan de täcker dem med en kombination av cement och målarfärger. Körsbäret på toppen är något slags fyndobjekt, antingen ensamt eller i kombination med andra. Ett utmärkt exempel är denna skyltdocka ovanpå en långsträckt, färgstänkt form. Iförd en cape och en bakåtvänd Abraham Lincoln-mask skickar verket upp historien om den store mannens teori med dess frammaning om den antika världens erövrare som står högt upp på en clownfärgad klippa.